За что критикуют Сергея Андрияку: топ-5 интересных фактов о мастере акварели
Лайфстайл
Почему их знают все? Разбираем самые известные картины
Вы точно видели эти полотна. И наверняка задавались вопросом: почему они так популярны? Чем выделяются среди сотен других портретов, пейзажей и абстрактных композиций? Разбираем самые известные картины в хронологическом порядке. Мини-экскурсия по мировым шедеврам – в материале Добро.Медиа.
Живопись средневековья: «Троица», Андрей Рублёв, 1400-е годы
Это самая знаменитая русская икона. Московский мастер написал её в первой четверти XV века. Рублёв изобразил ветхозаветный сюжет о гостеприимстве Авраама. В жаркий день у дубравы Мамре к шатру Авраама пришли три путника. Праотец понял, что в их обличье перед ним стоит Господь и пригласил отдохнуть. Жене Сарре он велел испечь хлеб, а слуге – приготовить телёнка.
Андрей Рублёв, «Троица», 1400-е годы. Фото: Третьяковская галерея
До Рублёва эту сцену изображали буквально: и Авраама, и Сарру, и слугу с ягнёнком. Но гений сосредоточился на главном и вложил в икону символизм, считают исследователи. Это и позволило полотну войти в самые известные картины мировой живописи.
«Андрей Рублёв создал шедевр, на который мы, иконописцы, равняемся уже больше шести веков, – рассказал Добро.Медиа иконописец, реставратор и галерист Владимир Кобзарь. – В её композиции и цветовом решении – ничего лишнего, нет ни одной ошибочной детали. Она уравновешена, гармонична и правдива».
Благодаря круговой композиции взгляд зрителя скользит от одного странника к другому, не останавливаясь ни на одном из них. Так создается ощущение единства ангелов. Каждая второстепенная деталь картины связана с ипостасями Бога: здание за левым ангелом олицетворяет Бога Отца, древо – Сына Божия, горка за правым ангелом – Святого Духа.
Барокко: «Менины», Диего Веласкес, 1656 год
На этой картине придворный художник эпохи барокко написал семью своего покровителя – Филиппа IV. В переводе с испанского название полотна переводится как «фрейлины». Они прислуживают дочери короля – инфанте Маргарите Терезе.
«Менины» (исп. Las Meninas — «фрейлины») или «Семья Филиппа IV» (1656), Фото: artchive
Чету монархов художник изобразил в зеркале, а себя сделал одним из основных персонажей. Сложная композиция картины заставляет зрителя поверить, что он занимает место августейшей четы. И это – в зажатом, иерархическом и религиозном испанском обществе, где даже каждая деталь костюма отражала отстранённость и высокомерие! Такого до Веласкеса не мог себе позволить никто.
«Веласкес был волшебником, – говорила искусствовед Паола Волкова в серии передач «Мост над бездной». – Когда он брал в руки кисти, правда вставала на свои места. Исчезала зависимость от власти. На переднем плане оказывались те, кого он любил. А его истинные властелины оставались лишь тенями. Поэтому он – художник свободы».
Подробнее о том, как сын небогатого дворянина Диего Веласкес в 24 года стал другом короля, читайте в статье.
Эпоха Возрождения: «Мона Лиза», Леонардо да Винчи, 1503-1506 годы
Живописец, скульптор, архитектор и инженер Леонардо да Винчи написал портрет знатной жительницы Флоренции Лизы Марии дель Джокондо по заказу её мужа, торговца шёлком.
Для картины Леонардо да Винчи выбрал тонкую деревянную доску размером 76,8 на 53 сантиметра. На некрупное, казалось бы, полотно художник потратил больше четырёх лет, но так его и не завершил. Творец вернулся к работе уже спустя 13 лет, когда переехал к своему покровителю, королю Франциску I. Поэтому оригинал «Моны Лизы» хранится во Франции.
Леонардо да Винчи, «Мона Лиза», 1503-1506. Фото: artchive
Самые известные картины полны загадок. О тайнах «Джоконды» мы писали в нашей статье. Но популярность к полотну пришла не только поэтому. Эксперты считают, что «Мона Лиза» – новая веха в искусстве.
Итальянский искусствовед Винсент Дельевен считает: улыбка Моны Лизы – не таинственный знак, а черта живописи Эпохи Возрождения. Художники старались придать портретам больше жизненности, чтобы отойти от средневековой традиции. Лёгкую усмешку да Винчи применяет и на более ранних работах – например, на «Святой Анне с Мадонной и младенцем Христом».
«Картина “Мона Лиза” Леонардо да Винчи знаменита не только благодаря своему загадочному выражению лица, но и уникальной технике исполнения, – объяснила Добро.Медиа основатель архитектурного бюро Serdyuk Татьяна Сердюкова. – В этом произведении художник мастерски сочетает знания в медицине, анатомии, искусстве и инженерии, что позволило создать глубокий образ».
Смысл «Моны Лизы» – передать гармоничность человека. Важная черта эпохи Ренессанса – возрождение интереса к живым людям после средневековой декоративности и религиозности. Чтобы передать восхищение женщиной, мастер вписывает её портрет в прямоугольник, который соответствует принципам «Золотого сечения».
Реализм, импрессионизм: «Девочка с персиками», Валентин Серов, 1887 год
Розовая светлая блузка, солнечные пятна, радостный день за окном… Яркое мгновение застыло, чтобы мы смогли зафиксировать его в памяти. Будущее у девочки не самое солнечное: она умрёт от воспаления лёгких в 32 года.
Валентин Серов, «Девочка с персиками», 1887 год. Фото: Третьяковская галерея
Натурщицей Серова стала 11-летняя Вера – дочь богатейшего промышленника Саввы Мамонтова. В конце лета художник гостил в имении Абрамцево, где спонтанно решил создать новую картину. Улучив момент, когда Вера вбежала в столовую и схватила персик, он попросил её позировать. Картина «Девочка с персиками» возникла словно бы случайно.
«Работу Серов написал в 1887 году, будучи совсем молодым, – отметила Добро.Медиа художник Ирина Серебрянникова. – Она родилась просто как дружеский портрет, но стала важной вехой в истории русской живописи. Современники приняли её не сразу».
Несмотря на реалистичность изображения, искусствоведы относят картину к импрессионизму. Подробнее об этом направлении мы рассказывали в гайде.
По мнению живописца Михаила Нестерова, в Париже эта картина сразу бы обрела славу. А вот в России нужно было время. Сегодня мы видим «Девочку» не только в Третьяковке. Она есть на сотнях магнитов, на тысячах футболок и в десятках мемов. Подробнее о том, каким был художник Валентин Серов, мы писали в нашей статье.
Экспрессионизм: «Крик», Эдвард Мунк, 1893 год
Современники назвали «Крик» «издевательством», Общество художников требовало снять полотна Мунка «из уважения к труду и честному искусству», а врачи не стеснялись публично обсуждать душевное здоровье живописца. Но норвежский живописец не ждал похвалы и раз за разом повторял пугающий сюжет. Всего он создал около 35 «Криков», на каждом из которых – искажённая ужасом гримаса.
Эдвард Мунк, «Крик»: версия 1893 года, версия 1892 года, версия 1895 года. Фото: Gallerix, сообщество Искусствовач Вконтакте
«Один из биографов Мунка пишет: этот пейзаж художник наблюдал в районе, где находились скотобойня и психиатрическая лечебница. Там можно было слышать рёв скота и крики пациентов. Саму антропоморфную фигуру Эдвард Мунк тоже не выдумал. Это образ перуанской мумии, которую художник увидел в музее естественной истории», – рассказала Добро.Медиа искусствовед Наталья Леванова.
Мунк – один из создателей экспрессионизма. Это направление живописи делает центром сюжета чувства художника. Согласно записям самого творца, человек на полотне не кричит, а содрогается от чужого вопля. Мунк воспринимал природу как нечто драматичное и опасное, рассказывает член Ассоциации искусствоведов Елена Якимович.
«Фигура смотрит за спину зрителя. Одна из версий – образ воплощает человеческую душу, выброшенную в мир, который её ужасает. Не остаётся ничего, кроме как кричать», – объясняет Наталья Леванова.
В 1904 году исследователи нашли на картине карандашную надпись: «Такое мог написать только сумасшедший». Считали, что её нанёс один из посетителей выставки. Только в 2021 году инфракрасная камера показала: автор оскорбления – сам художник. И избавляться от своего недуга он не спешил. Почему? Ответом служит сама жизнь Эдварда Мунка, о которой мы писали в нашем материале.
Авангард, абстракционизм: «Чёрный супрематический квадрат», Казимир Малевич
Малевич написал четыре «квадрата»: в 1915, 1923, 1929 и 1932 годах. Первый и третий экземпляры находятся в Третьяковской галерее, остальные – в Эрмитаже.
Казимир Малевич, «Чёрный супрематический квадрат», 1915 год. Фото: Третьяковская галерея
Есть версия, что первый «Чёрный супрематический квадрат» Малевича – фрагмент оформления сцены для футуристической оперы «Победа над Солнцем» 1913 года.
«Образ чёрного квадрата в декорации так поразил его, что он три дня не мог ни есть, ни спать, – рассказал Добро.Медиа историк искусств Архангельский. – И всё же это не просто вдохновение, а результат философских размышлений о новом мироощущении».
Смысл «Чёрного квадрата» Малевича – воплотить философские вопросы «Куда движется искусство и человечество? С чего всё началось?», считает Архангельский. Автор не даёт ответы, предлагает «ничто» вместо «всего».
Картина сделала Малевича скандально знаменитым. Многих возмутило, что он разместил «Квадрат» в «красном углу» комнаты – туда, где обычно вешают икону.
«Всё непонятное волнует и вызывает споры, – объясняет Добро.Медиа член Союза художников, преподаватель абрамцевского филиала художественной академии имени А.С. Строганова Елена Бокова. – Каждый думает: “Что здесь такого? Я тоже могу нарисовать квадрат!” Только до сих пор никто не повторил успех Малевича. Да и сам он, сколько ни пытался, сделать точную копию не смог».
В 2015 году сотрудники «Третьяковки» обследовали первый вариант картины и обнаружили под слоем краски два цветных изображения. Тогда возникли новые версии, в чём смысл «Чёрного квадрата» Малевича. Подробнее о них мы писали в нашем материале.
Ранее мы публиковали полную шпаргалку стилей и направлений живописи.
Подпишитесь на полезные
статьи Добро.Медиа!
статьи Добро.Медиа!
